Only me....

Si han visto y leido todo lo que he publicado, entonces creo que al menos, tienen derecho a saber quién se encuentra tras el teclado, por eso, esta entrada es solo para dejarles mi página web personal, donde encontrarán todo lo que necesitan saber de mi. Por favor, si alguien sabe de un buen puesto de trabajo vacante, que correponda con mi perfil, no dude en hacerles llegar mi página. Saludos a todos.

La página web en cuestión es: http://marcosaizarra.wix.com/elrincondemarcos

 

Imagen propiedad de Marcos Izarra



La Ventana

Después de estar escribiendo tanto sobre cine, es hora de mostrarles mi primer intento oficial de entrar en el mundo cinematográfico. Este cortometraje fue realizado en abril de 2013 para la Cátedra de Producción Cinematográfica de la Escuela de Comunicación de la Universidad Yacambú, por Samantha Alvarado, María Belén Torres, Amal Ibrahim, Vanesa Castro, Cesar Arzola y un servidor, Marcos Izarra. Con las actuaciones estelares de Doménico Schirru y Romer Peña, y música original de Manuel Alvarado.

 

Espero que sea de su agrado.

 



Video propiedad de Producciones A Pie

Grayson

Continuando con el homenaje a DC, otro fanfilm que demuestra que los fans, suelen tener mejores ideas que los grandes estudios. Este cortometraje en formato e falso trailer, muestra una historia que muchos quisieran realmente ver siendo llevada a la gran pantalla. ¿Qué pasaría si tras la muerte de Batman, asesinado por criminales desconocidos, su antiguo compañero, ahora retirado, Dick Grayson (Ricardo Tapia), decidiera volver a ponerse el traje de Robin para buscar venganza? Ese es el tema que explora este corto de John Fiorella.

Video propiedad de Untamed Films

Batman Dead End

¿Saben cuál era la mejor película de Batman, antes de la trilogía de Nolan? No, no eran las de Tim Burton, ni mucho menos las de Joel Shumaker y por supuesto que no el largometraje de la boba serie de los 60, protagonizada por Adam West. Se trsta de un cortometraje hecho por aficionados al personaje o "fanfilm" titulado "Batman Dead End", escrito y dirigido por Sandy Corolla. El minifilm retrata algo que muchos fans de los cómics y de la ciencia-ficción querían ver pero que resultaba prácticamente imposible. Véanlo y opinen...

Video propiedad de Montauk Films

Cortometraje de Animación Computarizada: La Catedral

Si les gusta la animación computarizada, la ciencia ficción y lo metafórico, entonces éste es su tipo de corto. Titulado "La Catedral", sumerge al espectador en un mundo fascinate de fantasía futurista.

 



Video propiedad de Platige Image

¡La mejor pelicula de todos los tiempos!

Sé que muchos no estarán de acuerdo con mi humilde opinión y que la asignación del título de "Mejor pelicula de todos los tiempos" es muy subjetiva y se ajusta a los gustos y experiencia de cada quien, pero para mi, la pelicula mercedora de tal estatus es Ben-Hur, la versión de 1959. ¿No sabes de qué pelicula hablo? Pues echale un vistazo a estos datos:

 

Imagen propiedad de Metro Goldwyn Mayer 



BEN- HUR (1959) Director: William Wyler.  Intérpretes: Charlton Heston, Stephen Boyd, Jack Hawkins, Martha Scott.   Judah Ben Hur (Charlton Heston) es un príncipe judío que ve traicionada su amistad con su compañero de la infancia Messala (Stephen Boyd), cuando éste, tribuno romano, le acuse injustamente de intentar asesinar al gobernador. Ben-Hur será condenado a galeras mientras que su hermana Tirzah (Cathy O’Donnell) y su madre Miriam (Martha Scott) son hechas prisioneras y encarceladas.

 

En el año 1926, Fred Niblo, con la producción esencial de personajes de la Metro como Louis B. Mayer o Irving Thalberg, llevó de manera estupenda al cine la novela "Ben-Hur" de Lew Wallace, en la cual se relataba la historia de un príncipe judío condenado a galeras injustamente por orden del poder romano que gobernaba en Judea en tiempos de Jesucristo. El protagonista de esa película era uno de los actores más famosos del cine mudo, Ramón Novarro.   En la nueva versión que nos ocupa, dirigida por William Wyler y producida por Sam Zimbalist, fue un habitual de personajes históricos, Charlton Heston, el encargado de dar vida al personaje central del libro de Wallace.   El resultado fue una lujosa producción que retenía en Technicolor y formato panorámico el colosalismo de la primera.  Posee un soberbio trabajo fotográfico de Robert L. Surtees, una narración equilibrada entre épica e intimismo, y un meritorio perfil de personajes. La película se tiñe en ocasiones de una puntual gradación solemne derivada de su raíz histórico-literaria, y no pierde su esencia enérgica de situaciones épicas, con sensibles tratamientos en las escenas de mayor impacto emocional. El film cuenta con momentos inolvidables que valen por toda una película entera. Destacan principalmente el período sudoroso de Heston en galeras, o la mítica carrera de cuádrigas filmada magistralmente por Andrew Marton y Yakima Canutt, y acompasada la acción por la exultante música de Miklos Rozsa. Premiada con once premios Oscar, "Ben-Hur" es todo un clásico del cine bíblico-histórico, y permanece como un fastuoso prototipo de la manera de entender la producción de cine espectáculo establecido a finales de la década de los cincuenta, cuando la televisión comenzaba a cernir una peligrosa sombra sobre la pantalla grande.     Imagen propiedad de Metro Goldwyn Mayer 

 

Curiosidades:

• La película fue la más cara de la historia en su momento, con 15 millones de dólares de presupuesto, pero acabó recaudando más de 70 millones sólo en Estados Unidos, aunque en proporción fue más barata que la versión muda que costó 6.6 millones de dólares en 1925.
• La carrera de cuádrigas, que dura 20 minutos en la película, se rodó en 3 meses.
• La producción de Ben-Hur duró 5 años.
• Se crearon más de 100.000 trajes, 800 extras y 300 decorados.
• El actor Stephen Boyd, que reprentaba a Messala, por consejo del propio Wyler desarrolló su interpretación como si admirara y quisiera a Judá desde lo más profundo de su ser, pero a la vez escondiendo sus sentimientos y su oscuro deseo, como si se tratara de una relación homosexual. Charlton Heston nunca supo nada de esto.
• William Wyler no estaba muy satisfecho con la actuación de Charlton Heston. Durante las primeras semanas de rodaje, tuvo que discutir con él afirmándole que en el plató solo se hablaba de su mediocre papel, frente a la impresionante interpretación de su compañero Hugh Griffith.
• El circo romano donde se rodó la carrera de cuádrigas fue construido a imagen real, tomándose como modelo el de Antioquía.
• La Metro Goldwyn Mayer pagó 600.000 dólares por los derechos de la novela en el año 1925.
• La película fue rodada en Cinemascope, por lo que mostró un gran nivel de calidad en las salas equipadas con ese sistema.
• El éxito en la taquilla del film salvó a la Metro Goldwyn Mayer de la quiebra.
• Después de terminar la producción del film se destruyeron todos los decorados para que no pudieran usarse posteriormente.
• Sam Zimbalist (productor) murió durante el rodaje debido a la alta tensión, según dicen, que se vivía en el mismo.
• Gore Vidal, co-guionista del film no acreditado y de tendencia homosexual, asegura que incluyó cierta tendencia al romance en la relación entre Ben-Hur y Messala.
• Paul Newman, Rock Hudson y Burt Lancaster denegarón representar el papel que finalmente cayera en Charlton Heston.
• William Wyler, director de ésta, fue ayudante de dirección en la versión muda de 1925.
• Las escenas de "masas" se rodaron en pleno verano con un sol de justicia y se ideó un sistema de aguadores disfrazados para poder suministrar agua a toda aquella gente, sin que se notara en la película
• En la escena de cuádrigas, hay un momento que cae uno de los romanos del carro y muere. Pues bien, ese actor murió en ese mismo momento, puesto que al caer se metió debajo de las ruedas del carro y fué atropellado por este
• El comediante Leslie Nielsen realizó una prueba de cámara para el papel de Messala
• En la carrera de cuádrigas Messala (Stephen Boyd) no fue doblado en ningún momento, incluso en la caida y posterior arrollo por la cuádriga
• Para el rodaje se construyeron unos 300 decorados copiados de edificios, estatuas o pinturas reales. Así las galeras eran réplicas de galeras reales y el circo de la carrera de cuadrigas era una copia del de Antioquía.
• Junto con Titanic y El Retorno del Rey es la película que más Oscars ha ganado, 11.
• En el coliseum donde se desarrolla la carrera de cuádrigas había 15.000 figurantes.
• La única condición para ser extra de esta maravillosa película era tener barba.

 

Trailer propiedad de Metro Goldwyn Mayer



 



¡Cada día el mundo está más loco! Para muestra un botón... paso a reproducir esta noticia que encontré hace unos días, tal y como fue publicada:

Chewbacca fue retenido en un aeropuerto por llevar una espada láser

Imagen propiedad de Lucasfilms LTD

Europapress

Madrid, 10 Junio 2013.- Peter Mayhew, el actor famoso por dar vida a Chewbacca en la primera trilogía de Star Wars, fue detenido por las autoridades del aeropuerto de Denver (Estados Unidos). El motivo: el bastón con forma de sable de luz (o espada láser) que llevaba consigo.

Al parecer, el actor que dio vida al gigantesto y peludo compañero de Han Solo en La Guerra de las Galaxias se disponía a embarcar en un vuelo que debía llevarle desde Denver, donde hace unos días asistió a la Comic-Con, hasta su hogar de Texas.

Pero en el aeropuerto el equipo de seguridad le retuvo y le confiscó su bastón con forma de espada de láser por miedo a que pudiera utilizarlo como un arma. Algo que denunció a través de Twitter, donde colgó varias fotos del incidente, logrando una notable repercusión.

"@AmericanAir no me permite estar en el aeropuerto con mi bastón", denunciaba Mayhew que pedía a sus seguidores en la red que le hicieran un retweet para denunciar esta situación. Y es que el actor, que mide casi 2,20 metros de altura y tiene casi 70 años, necesita caminar con la ayuda de su bastón que, en un homenaje a la saga que le lanzó a la fama, es una réplica de una espada de luz jedi.

Después de que fuera retenido durante unos breves instantes y le fuera retirado su pintoresco bastón, las autoridades del aeropuerto permitieron a Peter Mayhew embarcar... y a su bastón también.

"Las palabras mágicas para la TSA (Transportation Security Adminstration) no son 'por favor' o 'gracias'... Es 'Twitter'. El bastón es libre de volver a casa", tuiteaba minutos después Mayhew consciente de que la presión de la legión de seguidores de Star Wars había sido de gran ayuda.

De hecho, el responsable de American Air en el aeropuerto se acercó a pedir disculpas al actor de wookiee después de que la noticia llegara a sus odios a través de Internet. Y es que, aunque la espada la lleve un wookie, la fuerza es muy intensa en Twitter.

 

El "bastón de la discordia"

Imagen propiedad de Europapress



Memorize

Esta vez no escribiré mucho, solo les presentaré este excelente cortometraje de acción que retoma y lleva al siguiente nivel, algunos de los conceptos de la novela 1984. Sin más comentarios, disfrútenlo:

Video propiedad de Eric Ramberg y Jimmy Eriksson

Jesús: ¿El Superman original?

Los intentos de los estudios cinematográficos por obtener mayores ganancias, han dado lugar a los más insólitos episodios reales. Eso es precisamente lo ocurrido en este caso, solo que esta vez, me abstendré de opinar y reproduciré íntegramente la noticia publicada por CNN en español:

17 junio 2013

11:00 AM ET

Jesús: ¿El supermán original?

Imagen propiedad de Warner Brothers

Por Eric Marrapodi

BALTIMORE, Maryland (CNN) — Mientras la nueva película de Superman levantó vuelo este fin de semana, los realizadores esperan que el Hombre de Acero no solo despegue en los cines sino también en los púlpitos.

Warner Bros. comenzó comercializando agresivamente Man of Steel entre pastores cristianos, invitándolos a las primeras proyecciones, con la creación de guías de discusión del Día del Padre y la producción de remolques especiales de cine que se centran en los ángulos de la fe y amistad de la película.
Días atrás los creadores de la película pidieron a un teólogo proporcionar información de sermones para pastores que quisieran predicar sobre Superman este domingo, bajo el título "Jesús: El superhéroe original".
"¿Cómo podría la historia de Superman despertar nuestra pasión por el héroe más grande que alguna vez vivió, murió y resucitó?", indican las notas del sermón.

Campañas similares se han llevado a cabo para el gran número de cristianos en las salas de cine de Estados Unidos, para Les Miserables, Soul Surfer y The Blind Side, las cuales tenían al menos un ángulo de fe.
El pastor de Baltimore, Quentin Scott, fue uno de las docenas de ministros que recibieron una invitación por correo electrónico de la firma de marketing cristiano Grace Hill Media, con sede en Hollywood, para asistir a una proyección anticipada de Man of Steel.

"Hubo un impulso real para decir 'Estamos haciendo algo que habla a su grupo'", dijo Scott, uno de los pastores de la comunidad cristiana Shiloh, en Baltimore.

Al principio, Scott dijo que no compró el discurso religioso. Entonces decidió asistir a una proyección a media semana en Baltimore.

"Cuando me senté y escuché la película, en realidad vi que era la historia de Cristo, y el amor de Dios se teje en la historia", expresó el pastor.

"Estaba muy emocionado porque con la consulta de nuestro pastor general, podríamos utilizarlo en nuestra congregación."

Las notas del sermón de Grace Hill están especialmente diseñadas para las iglesias como Shiloh que integran multimedia en sus servicios.

"Vamos a echar un vistazo al tráiler de Man of Steel", indican las notas después de una breve presentación de la historia y los temas de la película.

El hombre detrás de las notas es profesor de la Universidad Pepperdine, Craig Detweiler, que preparó material similar de películas como The Blind Side (2009) y The Book of Eli (2010).

Los temas espirituales en Man of Steel son abundantes, dijo Detweiler, y sus notas permiten a los cristianos a participar a pensar con la cultura pop en lugar de rechazarla.

"Con demasiada frecuencia, las comunidades religiosas han sido definidas por lo que están en contra. Con una cintas como Man of Steeles una oportunidad para celebrar una película que afirma la fe, el sacrificio y el servicio ", señaló Detweiler.

Va a ser difícil, incluso para los cristianos casuales que se pierdan las metáforas mesiánicas en Man of Steel.
La película se centra en los orígenes de Superman, que fue enviado desde el planeta Krypton cuando era un bebé para salvar a su especie.

Él fue criado por padres adoptivos que le ayudaron a lidiar con sus poderes especiales, a pesar de que no entendían completamente la fuente de sus habilidades extraordinarias.
Cuando cumple 33 años, Superman debe voluntariamente sacrificarse para salvar a la raza humana.
¿Suena familiar?
Si eso no es suficiente,  un niño demuestra cómo Clark Kent lucha con sus superpoderes, y le pregunta a su padre terrenal, Jonathan Kent: "¿Dios hizo esto para mí?"

"En algún lugar tienes otro padre y él te envió aquí por una razón", dice Jonathan Kent.
Incluso los efectos visuales recalcan los motivos mesiánicos.

Durante una pelea con su archienemigo, el General Zod, Superman se precipita a la Tierra, con los brazos extendidos como si estuviera crucificado. Por supuesto, él se levanta de nuevo.

Detweiler escribe en las notas del sermón: "Lo que nos da tanto Jesús como Superman a través de sus acciones heroicas y acciones humana es esperanza. "

"Creo que es una muy buena cosa que Hollywood está prestando atención al mercado cristiano", dijo Ted Baehr, que dirige Movieguide, un sitio web que revisa las películas favorables a la familia desde una perspectiva cristiana.

"Cuando se pone pegajosa es cuando tratan de manipular el mercado y que los cristianos tratan de manipular Hollywood. Pero aquí creo que tenemos el equilibrio adecuado”.

Sin embargo, otros cristianos no están a favor de ese tipo de comercialización de las películas.
"A medida que entretienen a sus feligreses con el material bombeado hacia fuera de las alcantarillas de Hollywood, la vida se mantienen en la esclavitud, y las almas de las personas se descuidan", escribió PJ Wenzel, un maestro de escuela dominical en Dublin Baptist Church en Ohio.

Scott, el pastor Baltimore, dijo que sabe que los estudios Warner Bros. tienen un incentivo financiero para impulsar la película a los pastores.

Sin embargo, dijo que eso está bien: "Nos están usando, pero en realidad nosotros somos los que los estamos usando".

Su iglesia no mostrará clips de la película este fin de semana porque ya había planeado su servicio. Pero él planea utilizarla después, durante las reuniones con el grupo de los hombres de la iglesia.
"Si me das otra oportunidad de hablar con alguien acerca de Jesucristo, y puedo hacer eso por tu película, que es una victoria para mí, porque se trata de la difusión del Evangelio."

Erin McPike contribuyó en este reportaje.

Fuente: http://cnnespanol.cnn.com/2013/06/17/jesus-el-superman-original/

Avatar de James Cameron o Danza con lobos en el espacio

Imagen propiedad de 20th Century Fox

¿Quién no vio hace unos años la última superproducción de James Cameron "Avatar"? Más allá de el excelente apartado técnico, de los alucinantes efectos especiales totalmente realistas, de la sensación de inmersión que produce el 3D y del maravilloso universo ficticio (cuidado hasta el más mínimo detalle) creado para la película. No se puede evitar al verla, una creciente sensación de Deja vú.

Al menos, así fue en mi caso. Mientras la veía, no podía dejar de pensar "esta historia ya la he visto", finalmente hice toda la conexión, que a medida que avanza la película, se hace más evidente para cualquier cinéfilo, e incluso para los legos que hayan visto cine de principios de los 90´s

Por supuesto, si le quitas el color azul a los Na´vi y cambias Pandora por el salvaje oeste, resulta muy claro: ¡Avatar no es más que Danza con Lobos, pero en el espacio!  Solo hay que ver rápidamente los obvios paralelismos:

Los Na´vi con sus "caballos", arcos, flechas, cabello largo, liso y trenzado; t su gran respeto a la naturaleza, no son más que la tribu indígena de Danza con Lobos. En ambas películas un militar estadounidense considerado un paria por un problema con sus piernas, es enviado a territorio enemigo para explorar en nombre de los "conquistadores", pero termina conviviendo con la tribu local hasta convertirse en uno de ellos (gracias a que se enamora de una nativa), para finalmente pelear contra sus ex compañeros de armas y superiores del ejercito, mientras defiende a la tribu local oprimida, a la que, de un modo u otro, termina por salvar. ¿Les parece conocido?

Les dejo los trailers de ambas y recomiendo ver las dos películas, para así establecer una justa comparación. Avatar:

Vídeo propiedad de 20th Century Fox

Danza con Lobos:

Vídeo propiedad de Orion Pictures

Cine con tinte ecológico

Imagen propiedad de Hollywood Pictures

 

En 1992 un ya mayor Sean Connery, tras dejar de encarnar al Agente 007 al servicio de Su Majestad, sorprendía al mundo usando por primera vez la que fue su emblemática "cola de caballo" en una cinta conocida en latinoamérica como "El Curandero de la Selva" (Medicine Man).

En la pelicula, Connery hacía el papel del Dr. Robert Campbell, acompañado por Lorraine Bracco como la Dra. Rae Crane y José Wilker como el Dr. Miguel Ornega.

La trama, en pocas líneas, va así: El Dr Campbell es un investigador que lleva años sumergido en la selva amazónica y para seguir avanzando en su trabajo, solicita a sus patrocinantes un simple cromatógrafo portatil (actualmente no es dificil conseguir, pero en los 90 no solo era caro, sino casi imposible).

El patrocinante dice que no.

"Si no me la mandan, no les daré la cura contra el cáncer. La conseguí pero necesito el espectógrafo para aclarar ciertas cosas con los tejidos" y cuelga el teléfono.

A los pocos días llega al campamento de Campbell la doctora Crane, quien tiene como misión, supervisar el trabajo y la veracidad del viejo médico metido en la selva.

Durante su investigación, se da cuenta que Campbell, además de médico, es una especie de curandero de los pueblos cercanos. Decide que puede ayudarlo a recoger muestras vegetales que se encuentran a más de 30 metros de altura.

Campbell no solo tiene a sus patrocinantes vigilando sus movimientos, sino que el gobierno de Brasil también necesita deforestar la zona donde está trabajando. Debido a esto debe replicar con urgencia, la cura contra el cáncer que ya logró una vez, desafortunadamente, sus intentos están resultando infructuosos.

 

No le dañaré la pelicula a los que no la hayan visto aún, sólo diré que tristemente es un fiel reflejo de la realidad en que vivimos. En mi opinión personal, el trato a esta pelicula por parte de los estudios luego de su lanzamiento, es injusto. Pues no solo es una pieza cinematográfica magnifica con una soberbia actuación de Sean Connery, sino que, aparte de mostrtar las maravillas de la Amazonía, abre el debate ecológico, como pocas veces se había hecho entonces.

 

Trailer propiedad de Holywood Pictures

 

Por cierto, si desean saber más de como está la situación de la conservación ambiental por nuestras tierras en estos momentos, denle un vistazo a este boletín:

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 Boletín realizado por Marcos Izarra

para la Cátedra de Producción Multimedia de la Universidad Yacambú

 





Volver a los 80´s --->

¿Recuerdan cuando la música se grababa en cassettes y por primera vez podías escucharla mientras caminabas, gracias a aquel walkman con audífonos enormes que cubrían las orejas? ¿No han olvidado cuando por primera vez se puso de moda usar zapatos Nike  en la vestimenta diaria y ver las peliculas en casa, gracias al Betamax era una novedad? ¿Se acuerdan cuando estaba de moda que las mujeres usarán el cabello cortisimo, peunados altos y vestidos o blusas con hombrearas?

Si la respuesta a cualquiera de estas preguntas fue sí, entonces viviste los 80´s. Esta década trajo muchos adelantos e innovaciones en su monento, habiendo quedado atrás los puntos más algidos de la Guerra Fria, con una perspectiva prometedora pra el futureo y habiéndose iniciado la era del consumismo, la socxiedad occidental se vió libre para dar rienda suelta a su desenfreno y el resultado fue una de las décadas más recoredadas y añoradas.

El cine, por supuesto, no se quedó atrás y en los años 80´s aparecieron muchos de los grandes clásicos contemporáneos con los que han crecido las generaciones siguientes. La saga de "La Guerra de las Galaxias" e "Indiana Jones" marcaron un antes y un despúes en la historia del cine, la trilogía de "Volver al Futuro" marco a una generación, antes de que el término trilogía estuviese en nuestro vocabulario.
Y como olvidar peliculas como "Los Cazafantasmas", "Los Gremlins" y "Terminator" que hicieron las delicias de grandes y chicos, pero si hasta los musicales se revolucionaron con cintas como "Laberinto" donde el cantante David Bowie, junto con una adolescente Jennifer Connelly, combinaba la musica rock con una trama de fantasia medieval orientada al público juvenil.

¡Aaaahhhh! Esos 80´s... Definitivamente una de las mejores décadas en las que se haya podido vivir. A propósito de eso, hace unos días hice una composición gráfica, quecreo resume el espíritu de los ochentas:

Composición Gráfica realizada por Marcos Izarra

Imagenes referenciales tomadas de internet

Imagenes personales propiedad del diseñador



12 Monos: ¿Guión Original o Adaptado?

Imagen Propiedad de Universal Pictures

 

Nos encontramos ante un caso muy particular de guión adaptado, pues la película Doce Monos está basada en un cortometraje francés de 1962 (más bien mediometraje), llamado La Jeteé, del realizador Chris Marker, el cual fue desarrollado en su momento, en formato de fotonovela, con fotografías en blanco y negro. Al hacer una comparación entre ambas obras, pueden establecerse una serie de similitudes, así como de diferencias, unas más obvias que otras, pero todas bastante llamativas y peculiares.

La Jeteé (Cortometraje completo). Video propiedad de Argos Films

Similitudes:

·         Ambas películas comienzan con un niño que es llevado a una terminal aérea para ver los aviones y en ese lugar ve morir a un hombre de un disparo, junto al cual observa a una mujer con semblante desesperado.

·         En las dos obras, el niño, convertido ya en adulto (quien protagoniza la historia), vive obsesionado por la imagen del rostro angustiado de la mujer, en aquel recuerdo de su niñez que no está seguro si es real o producto de su mente.

·         Tanto en Twelve Monkeys como en La Jeteé, el protagonista vive en un mundo futuro y postapocaliptico, donde la mayor parte de la humanidad ha sido aniquilada y los  sobrevivientes se han refugiado bajo tierra para poder subsistir, pues la superficie es inhabitable.

·         En ambos casos, el protagonista es prisionero de una élite científica dominante, que le recluta para utilizarlo en una serie de experimentos destinados a mejorar las condiciones de vida del ser humano.

·         Tanto en el corto como en la película, dichos experimentos se basan en viajes en el tiempo.

·         En los dos casos, se establece que los viajes en el tiempo tienden a afectar la mente del viajero, pues esta no está preparada para asimilar más de una sola realidad.

·         Los dos filmes presentan al protagonista yendo y viniendo del pasado en diferentes ocasiones, a voluntad de quienes dirigen los experimentos.

·         En ninguna de las dos producciones los viajes en el tiempo tienen como propósito evitar que el desastre ocurra, sino encontrar elementos que permitan a la humanidad resurgir en el futuro (presente para ellos), tras la devastación.

·         En ambas versiones el protagonista conoce a la mujer cuya imagen le ha obsesionado toda su vida, se enamora de ella y desea quedarse a vivir a su lado, en el pasado.

·         En las dos cintas el protagonista muere en un aeropuerto, de un disparo, hacia el final de la historia, descubriéndose que la muerte que presenció cuando niño en aquella terminal aérea, es la suya propia y la mujer de rostro desesperado cuya imagen le obsesiona, es aquella de quien se ha enamorado en sus viajes al pasado, que también se encontraba en la terminal y presencia su muerte.

Diferencias:

o  La primera diferencia es su duración, la obra original dura solo 28 minutos, mientras que la nueva versión es un largometraje de 2 horas y 9 minutos.

o  La original fue realizada en formato de fotonovela, utilizando una serie de fotografías en blanco y negro, acompañadas de música y narración, con algunos efectos de sonido. En tanto que la segunda es un largometraje filmado en 35mm con movimiento, color, diálogos, efectos de sonido, música y diversas técnicas de cine utilizadas a mediados de los años 90 del Siglo XX.

o  En La Jeteé lo que ha destruido casi por completo a la raza humana es la radiación nuclear dejada por la III Guerra Mundial, mientras que Twelve Monkeys, la devastación se debe a una plaga generada por un virus desatado en un acto de eco terrorismo.

o  En el cortometraje, la mujer nunca llega a enterarse de donde proviene el protagonista y parece no importarle, mientras que en la película, no solo él le cuenta desde un principio que procede del futuro, sino que ella finalmente le cree y hasta le ayuda a mantenerse centrado cuando él comienza a dudar de sí mismo.

o       El corto nunca indica quién era ni qué hacia la mujer, mientras que en la película se deja muy en claro que era una eminente psiquiatra llamada Kathryn Railly.

o       Similarmente, no se le da nombre al protagonista en La Jeteé, mientras que en Twelve Monkeys, este responde al nombre de James Cole.

o       En la película se muestra que los científicos de este futuro post apocalíptico, no tienen mucha precisión mandando a los viajeros del tiempo a la época correcta, por lo que frecuentemente comenten errores, enviándolos a la época equivocada. Este hecho no se manifiesta en el corto original, en donde el problema es anclarlos a la época, no llevarlos a ella.

o       En ambos casos se presenta una escena en que los protagonistas se maravillan observando animales salvajes (principalmente de fauna africana) y la mujer ríe al verlos, pero mientras en el corto son animales disecados en un museo, en la película son animales vivos que andan sueltos por la ciudad, tras haber sido liberados del zoológico por el Ejercito de los Doce Monos.

Mientras que en la obra de 1962 el hombre llega a tener conciencia, justo antes de morir, que lo que vio de niño era su propia muerte; en la de 1995 no está claro si Cole llega a saberlo (parece que más bien lo intuye sin llegar a tener certeza de ello), en cambio es la doctora Kathryn quién se da plena cuenta de ello, por lo que le regala una sonrisa al niño.

En Doce Monos el mensaje principal parece ser una advertencia acerca de la inminencia del fin de la humanidad, a menos que la sociedad mundial modifique su forma de vida y sea más consciente no solo sobre lo que tiene, sino como sus acciones afectan todo lo que les rodea y en última instancia, al mundo mismo.

Trailer de 12 Monos. Video propiedad de Universal Pictures

Community Manager

Apartándonos un poco de la temática general del blog, vamos a tratar un tema de actualidad. ¿Saben lo que es un Community Manager? Esta semana estuve haciendo algunas entrevistas para la Cátedra de Producción Multimedia y parece que, al menos por estas latitudes, no mucha gente sabe lo que es. para comprobarlo, salí a hacer unas entrevistas, los resultados pueden verlos en esta nota audiovisual:


                             Video realizado por Marcos Izarra
   para la Cátedra de Producción Multimedia de la Universidad Yacambú
                      (Edo. Lara - Venezuela, Junio de 2013)

Si quieren saber más sobre el tema, chequeen esta pequeña presentación  que hice, sobre el tema de los Community Managers:

Community Manager from KIMAGURE

Presentación realizada por Marcos Izarra

Por supuesto, como este blog es de cine, Algo habpía que comentar al respecto ¿No?. Pues bien, ¿Sabían que hasta el mismisimo diablo ahora también es Community manager? Se trata de la una estrategia de la Paramaunt Pictures para promocionar el lanzamiento en DVD y BluRay de su pelicula "The Devil Inside". El encargado de las redes sociales del estudio se hace llamar "The Social Devil" ¿Qué les parece?

Imagen propiedad de Paramaunt Pictures

Metaverso

 Imagen propiedad de Warner Brothers

¿Han escuchado sobre algo llamado "Metaverso"? Es un concepto surgido de una novela escrita por Neal Stephenson en 1992, titulada "Snow Crash". Se trata de un universo ficticio o "alterno" generado por computadora. El concepto pasó de la ficción a la realidad, gracias a los videojuegos de rol. Hoy en día se usa también con fines educativos y de entretenimiento, pero como era de esperarse, el cine no escapa a esta onda y por eso peliculas "El piso 13" y la trilogía "Matrix" se valen de metaversos en sus tramas (aún cuando no mencionen el término).

Imagen propiedad de Columbia Pictures

Si quieres saber un poco más del concepto de Metaverso y sus implicaciones, mira este mapa mental sobre el tema:

Creado por Marcos Izarra

Antecesores del Cine

Como todo gran invento, el cine tuvo algunos antecesores. Creaciones previas, llenas de ingenio, que asombraron al mundo en su momento, pero que luego pasaron a la calle del olvido cuando finalmente nació el séptimo arte. ¿Quieren conocer un poco más al respecto? Véan esta breve peresentación  en Prezi, que tuve la oportunidad de hacer.

Presentación realizada por Marcos Izarra

De viejos muchachos, antiguas venganzas y nuevos odios Una mirada a la película “Oldboy”

 Imagen propiedad de Lolafilms.

Oldboy (2003), 올드보이 transliterado Oldeuboy, también conocida como Old Boy en España y llamada en México Cinco Días para Vengarse, es una película surcoreana, dirigida por Chan-wook Park. Se inspira en el manga japonés homónimo, con guion de Garon Tsuchiya y dibujo de Nobuaki Minegishi, es a su vez, la segunda entrega de la llamada “Trilogía de la venganza” de este director asiático; siendo precedida por Sympathy for Mr. Vengeance (2002) y continuada por Sympathy for Lady Vengeance (2005).

Protagonizada por los actores surcoreanos Min-sik Choi,  Ji-tae Yoo,  Hye-jung Gang,  Dae-Han Chi y Dal-Su Oh. La película forma parte de la reciente ola de producciones coreanas que en la última década han comenzado a trascender sus fronteras, dando a conocer la producción cinematográfica de esta nación alrededor del mundo; siendo precisamente su director, Chan-wook Park, uno de los cineastas surcoreanos más reconocidos internacionalmente, gracias, justamente a la “trilogía” de la que Oldboy forma parte.

Curiosamente, al ser una película de origen asiático en lugar de norteamericano, su estreno alrededor del mundo, llevó de hecho, varios años para completarse, así tenemos, por ejemplo que se estrenó en Corea del Sur el 21 de noviembre de 2003, en España el 28 de enero de 2005, en Argentina: el 12 de marzo de 2005 en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, el 13 de abril de 2005 en el Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente y el 10 de noviembre de 2005 en las salas de cine; también se estrenó en México el 19 de agosto de 2005 y finalmente en Venezuela el 22 de septiembre de 2006, casi tres años después de su estreno oficial en su país de origen

La cinta cuenta las desventuras de Oh Daesu, un hombre que lleva una vida de lo más normal con su esposa e hija, hasta que, un día del año 1988, es secuestrado mientras regresaba a casa; tras lo cual despierta en un apartamento, en el que lo mantienen encerrado, sin saber dónde ni por qué.

Un año después y mientras Daesu, aún encerrado, intenta aclarar qué le ha pasado, escucha con horror en las noticias que su esposa ha sido brutalmente asesinada. La policía explica que Daesu es el principal sospechoso ya que se ha encontrado sangre suya en el lugar del crimen.

El tiempo pasa y decide escribir todo lo que ha hecho en su vida que haya podido causar dolor a otros. Mientras escribe, murmura: “He hecho daño a demasiadas personas, seguro que el hombre que ha matado a mi mujer y me tiene aquí es una de ellas.” Poco a poco, Daesu se acostumbra a la penumbra de su celda y hace ejercicios físicos y mentales, mientras jura que se vengará del hombre que ha destruido su felicidad.

Un día, tras 15 años de encierro, alguien vaporiza la habitación con gas y Daesu se desmaya, cuando vuelve en sí, está libre. Se le entregan un teléfono celular y una cartera llena de dinero, recibiendo la llamada de un extraño diciéndole que ahora le toca descubrir a él,  el por qué, de su encarcelamiento.

Entre estos hechos conoce a Mido, una joven chef especializada en sushi, con quien rápidamente se involucra, enamorándose finalmente uno del otro. Mientras esto ocurre, Daesu, fiel a su juramento, intenta averiguar quién y por qué le mantuvo encerrado tanto tiempo, para así poder vengarse; con esto en mente se pone en contacto con su viejo amigo No Joo-hwan.

Con la ayuda de ambos, Daesu comienza a desentrañar el misterio y encuentra el lugar donde estuvo encerrado, solo para descubrir, tras una violenta confrontación con los encargados del sitio y tortura de por medio, que alguien desconocido pagaba porque le tuvieran allí. Mientras avanza, lo único que queda claro es que le están vigilando y no sabe si confiar o no en la joven que recién conoció y de la que se ha enamorado.

Finalmente Daesu encuentra a quien le encerró por tanto tiempo e hizo matar  a su esposa, pero no se atreve a ejecutar su venganza , ante la perspectiva de no saber nunca por qué le hicieron todo esto. El hombre que orquestó su encierro y destruyo su vida, le da cinco días para descubrir el motivo que lo llevó a hacer todo esto, o matará a la joven Mido.

Con la ayuda de No Joo-hwan, descubren la identidad e aquel hombre misterioso, pero sigue sin recordar haberle hecho algo o siquiera conocerlo. Sin embargo, poco a poco va descubriendo que fueron a la misma escuela y que aquel hombre es hermano de otra estudiante que se suicidó poco después de que Daesu fuera transferido a otra escuela. Esto le hace recordar que en aquella época, él vio a ambos estudiantes, hermano y hermana, mantener relaciones incestuosas  y poco antes de abandonar la escuela, accidentalmente inició un rumor al respecto, que sería lo que llevó a la joven a suicidarse.

Una vez descubierto el motivo, Daesu se dirige al lugar donde su encerrador le espera para la confrontación final, solo para descubrir que la venganza de este por la muerte de su hermana es tan grande, que es él quien ha preparado que Mido y Daesu se conozcan y se enamoren, para luego revelar que Mido es la hija de Daesu, completando el círculo, al haber logrado que sin saberlo padre e hija tuviesen relaciones incestuosas.

Tras un enfrentamiento final, en que Daesu termina cortándose la lengua y suplicando a su captor  que no le revele la verdad a Mido, termina allí en el suelo derrotado, mientras que su antiguo capto se retira del lugar para luego suicidarse. La historia finaliza con Daesu suplicándole a la doctora que le hipnotizó durante su cautiverio, que le ayude a olvidar la verdad acerca de lo sucedido, tras lo cual, Mido va a buscarlo y quedan juntos los dos, abrazados. 

Esta película fue clasificada como C o +18 en todas partes, debido a su alto contenido violento, escenas gráficas y temas como el incesto dentro de su trama, pero aun así tuvo una buena acogida entre el público y ha pasado a ser película de culto para los fans occidentales del cine asiático. También ha sido merecedora de 16 premios internacionales, siendo el más importante de estos, el Gran Premio del Jurado del Festival de Cannes. Así mismo recibió otras 10 nominaciones a diversos premios.

Oldboy es, una película que combina algunos elementos muy oscuros, que han acompañado desde la antigüedad a la humanidad, como son: La venganza, el incesto y la violencia; para contar una historia compleja, que a pesar de tener ciertos elementos que pareciesen hacerla improbable, refleja muy bien la naturaleza humana, la cual por desgracia, en ocasiones tiende a lo más bajo. En este sentido, la cinta sabe atrapar todos estos sentimientos y emociones tan negativos para ponerlos de manifiesto ante el público, combinándolos de forma no convencional.

Toda la trama gira en torno a la venganza y las distintas situaciones que pueden detonarla, no en vano, Oh Daesu durante su encierro, está convencido de que ha sido puesto allí como venganza por algún mal cometido, pues aunque no puede determinar cuál es, si está seguro de que ha cometido varios; no obstante, una vez que es liberado, él mismo desea vengarse de quien le encerró.

Este hecho en sí mismo, hace que la película Oldboy sea digna de análisis, al poner de manifiesto el concepto de venganza en toda su expresión, dado que este es uno de los sentimientos que más rápido afloran cuando el ser humano se siente agraviado por algo o alguien, pero además, la cinta aborda uno de los temas más tabú que aún quedan, considerado una aberración grave, tanto por la cultura oriental, como por la occidental: el incesto, que irónicamente termina siendo tanto causa de la venganza, como consecuencia de la misma.

Así mismo, esta película es una importante pieza del cine producido en Corea del Sur,  que poco a poco se ha estado dando a conocer fuera de sus fronteras,  lo que le da un valor cinematográfico que de por sí, hace que merezca la pena detenerse a comentarla.

Pensando en todo lo anteriormente expresado, pareciera lo más apropiado, comenzar por el mensaje implícito en el film. Como ya se dijo antes, esta película versa, indiscutiblemente, sobre la venganza; pero no la versión romántica de la venganza que se retrata en obras como “El Conde de Montecristo”, ni la heroica mostrada en “V de venganza”, esta es otra cara totalmente distinta, una en la que la venganza, a pesar de ser el recurso y motivo principal de la historia, es presentada como lo que realmente es, un deseo que corroe el alma humana, hasta convertirle en un simple animal, presa de sus propios instintos y deseos.

Tal y como lo expresa el crítico Juan Luis Caviaro: “En ‘Oldboy’, el realizador nos pone en la piel de un hombre que se comporta, en más de una ocasión, como un animal, un ser irracional que funciona a través de estímulos y que no piensa lo que hace, su venganza, su objetivo, está en su mente porque es la respuesta que su organismo le obliga a cumplir.”

Mientras la imagen clásica de la venganza, presente en la literatura y el cine, tiende a mostrar como el “bueno” logra ejecutar su plan y al final “gana”, en esta cinta vemos que finalmente no hay ningún ganador, sino que todos pierden, quedando solamente vidas destrozadas o sin sentido alguno, dándole un realismo que otros films sobre el tema, no tienen.

Aun así, y a pesar de que la venganza es el motor que mueve esta historia, no se centra allí el mensaje que se desea transmitir, este se encuentra en una pequeña frase repetida dos o tres veces a lo largo de la película y que al principio no parece tener ningún sentido: “Ya sea una piedra o un grano de arena, en el agua ambos se hunden por igual”. Este es el verdadero mensaje contenido en la película, donde se nos hace hincapié en el hecho de que las acciones más pequeñas, pueden tener consecuencias igual de devastadoras que las grandes, hecho que se pone de manifiesto en la trama, al descubrirse que todas estas tragedias y las dos grandes venganzas puestas en escena, tuvieron su origen en algo tan pequeño como un simple comentario que dio origen a un rumor, lo que terminó por destruir muchas vidas.

Mención aparte merece el uso del incesto, muy controversial, tanto en la cultura occidental, como en la oriental, sin embargo, en esta película, solo es parte de los elementos que dan vida a la historia y no el fin de la misma, aunque a este respecto es particularmente inquietante la escena final, si bien, esa es la intenciín del realizador, que el espectador quede con una sensación agridulce al ver la película.

Pero, como manifiesta otro crítico, Joaquín R. Fernández: “lo que más llama la atención de ´Old boy´ no es lo que se nos relata, sino la forma que emplea el realizador para hacerlo, utilizando una notable puesta en escena y acongojándonos con algunas escenas bastante crudas y violentas”. Y es que sin lugar a dudas, la estética y el apartado técnico del film, ayuda a generar la atmosfera asfixiante, precisa para una historia como esta.

Los largos y detallados planos, llenos de detalles, que quizás tornan a la película algo lenta, cumplen a cabalidad su función, transmitir al público las emociones y sensaciones que debe llevar cada escena, las gráficas y violentas escenas, no solo captan la atención del espectador, sino que le hacen palpar como el deseo de venganza ha convertido al protagonista en ese animal, esa máquina de venganza que no retrocede ante su objetivo ni entiende razones a la hora de actuar, en una forma totalmente instintiva y primitiva.

Todo esto aderezado con una iluminación, tan sombría como la propia historia narrada y una música más que acorde a las situaciones planteadas, que ayuda al espectador a establecer la dinámica de la escena que observa, más allá de lo que está contemplando en pantalla.

Y es como menciona Tònia Pallejà, crítica de cine: “La meritoria fotografía de Jung Jung-hoon, con un cromatismo de rojos, verdes y tonos oscuros deudores del cómic, contribuye a crear esta atmósfera asfixiante, sórdida, funesta y paranoide, en un film que transcurre principalmente en interiores mal iluminados y emplazamientos urbanos nocturnos, y que se reserva las mayores cotas de luminosidad para su parte postrera, en donde el blanco de la nieve contrasta con los lóbregos pasajes que la pre-ceden, ejerciendo un efecto redentor acorde con la evolución dramática de la historia y los deseos de su protagonista.”

Pero uno de los aspectos que más destacan son las actuaciones de los actores principales, que pueden calificarse de magistrales, especial atención merece la caracterización del protagonista Oh Daesu, encarnado por el actor Choi Min-sik, quien realiza una camaleónica interpretación, al mostrarnos al personaje, en principio como un hombre común, para luego reflejar de forma totalmente verosímil la reacción ante la soledad y el encierro forzado y posteriormente transformarse en “la bestia” ese ser salvaje y que alberga un único deseo, la venganza, estando dispuesto a hacer cualquier cosa para materializarla. Aunque quizás, su mayor despliegue de histrionismo, este en las escenas cumbres, donde el personaje debe mostrar genuina desesperación, y es en este punto donde Choi Min-sik, logra su mayor acierto, al hacer una interpretación realista y totalmente verosímil, evitando caer en la sobreactuación en la que suelen caer la mayoría de los actores, ante este tipo de actuaciones.

Por supuesto, no puede dejar de mencionarse, que debido a que la historia transcurre a lo largo de 15 años, contados a partir de 1988, son muchos los hechos políticos y sociales que tiene esta historia como trasfondo, hecho que se pone de manifiesto, especialmente, durante el encierro de Oh Daesu, cuando su única ventana al mundo es el televisor de la habitación, allí, él y el espectador, observan suceder los acontecimientos históricos (como la caída de las torres gemelas, diversos gobiernos coreanos, etc.).

Esto también se evidencia claramente, cuando después de salir, comienza a notar que las cosas son diferentes de como eran, antes de ser secuestrado, quizás esto pueda verse con más claridad cuando se da cuenta que la azotea donde fue liberado, corresponde a un edificio que ocupa el lugar donde estuvo una vez la cabina telefónica en que fue secuestrado.

Así mismo, cabe destacar que debido a que la historia transcurre en la capital de Corea del Sur, Seúl, todas las características reflejan el estilo de vida de la cultura oriental dominante en el área, mezclada con elementos occidentales (como los rascacielos y automóviles), que reflejan la influencia que ha tenido los Estados Unidos de Norteamérica, en el desarrollo de esta nación, tras la guerra de Corea y la consecuente división de la nación en dos (Corea del Norte y Corea del Sur).

Autores: Marcos Izarra, María Belén Torres y Samantha Alvarado. 

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